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AI가 영화를 제작하고 미술 작품까지 만들어 내는 시대다.

이제 미술 교육은 단순히 AI라는 새로운 도구를 익히는 수준을 넘어,

무엇을 가르치고 어떤 경험을 제공해야 하는지에 대한

근본적인 질문에 직면해 있다.

AI 시대에도 변하지 않는 미술 교육의 본질적 가치는 무엇이며,

동시에 새롭게 요구되는 역할은 무엇일까.

두 미술 교사의 시선을 통해 AI 시대 미술 교육이 마주한 과제와

가능성을 함께 살펴본다.

| 글 서진아(대전용산고등학교 교사)

       전재철(상원중학교 수석교사)

| 에디터 이진화

렌즈에서 알고리즘으로;

AI 시대 미술 교육의 전환

| 글  서진아(대전용산고등학교 교사)

프롬프트 앞에 선 미술 수업

2026년 AI 영화제 ‘1 Billion Followers Summit’ 대상 수상작 <릴리(LILY)>

드가(Degas, Edgar/1834~1917/프랑스) 무용 시험(종이에 파스텔/63.4X48.2cm/1880년경) 발레리나의 모습이 잘린 구도의 작품이다.

반 고흐(Van Gogh, Vincent/1853~1890/네덜란드) 해바라기(캔버스에 유화/93X73cm/1888년) 마티에르가 강렬하게 드러난 작품이다.

더 나아가 사진기는 인간의 눈이 보지 못하는 방식을 가르쳐 주며 새로운 미술 사조를 낳았다. 프레임 밖으로 피사체가 잘려 나가는 구도, 눈에 보이지 않는 빠른 움직임의 포착 등은 화가들에게 영감을 주었다. 흑백 사진이 형태를 완벽하게 재현해 내자, 화가들은 사진이 흉내 낼 수 없는 빛에 따른 색채의 변화와 물감의 질감에 더욱 집중하게 되었고 이는 인상주의로 이어졌다.

이러한 변화는 미술 교육의 방향 또한 바꾸어 놓았다. 르네상스 이후 오랫동안 미술 교육의 중심에 있었던 것은 정확한 묘사, 해부학적 이해와 같은 테크닉이었다. 하지만 사진의 등장 이후 현대 미술 교육은 재현을 넘어 창의성, 조형 원리, 매체 실험 중심으로 이동했다. 똑같이 그리는 기술은 사진과 영상의 영역으로 넘어갔고, 미술은 이제 얼마나 잘 그리는가가 아니라 ‘어떤 메시지를 던질 것인가’를 묻는 철학의 영역이 되었다.

AI 시대도 비슷하다. 예비 예술가들에게 손의 테크닉보다, 원하는 이미지를 끌어내기 위한 끈기 있는 실험 정신, 프롬프트라는 ‘언어적 철학’, 그리고 결과물을 비판적으로 선택하는 ‘시각적 안목’이 훨씬 중요해질 것이다. 따라서 앞으로의 미술 교육은 깊이 있는 사색과 안목을 기르게 하는 데 더 집중해야 될 것이다.

연필로 깜지 만들어 온몸으로 느끼기

사고하는 힘은 위임해서 기를 수 없다;

| 글  전재철(상원중학교 수석교사)

생각보다 결과가 먼저 도착하는 시대다. 생각이 충분히 자라나기도 전에 이미지는 생성되고, 상상이 형태를 갖추기도 전에 화면 위에는 완성된 결과물이 나타난다.

이제 학생들은 몇 줄의 프롬프트만으로 그럴듯한 그림을 얻을 수 있고, 머릿속에 떠오른 장면을 손으로 옮기지 않아도 눈앞에 펼쳐 볼 수 있다.

AI는 인간이 만들어 낸 도구 가운데 가장 빠르게 결과에 도달하게 만드는 기술일지도 모른다. 그래서 오히려 묻게 된다. 우리는 지금 결과를 만드는 방법에만 집중하고 있는 것은 아닐까. 그 결과에 도달하기까지의 경험과 사고, 갈등과 시행착오는 어디에 남아 있는가.

최근 학교 현장에서도 AI 활용 교육에 대한 논의가 활발하다. 어떤 도구를 사용할 것인지, 어떤 기능을 익힐 것인지, 어떻게 효과적으로 가르칠 것인지에 대한 이야기가 이어진다. 그러나 나는 다른 질문을 먼저 던지고 싶다.

“AI를 잘 사용하는 사람을 만들기 위해 지금 무엇을 가르쳐야 하는가.”

어쩌면 이 질문이야말로 당장의 AI 활용 여부보다 더 중요할지 모른다.

경험은 글이나 말로 전달되지 않는다

교육철학자 존 듀이(John Dewey)는 인간의 성장이 직접적인 경험의 재구성 속에서 이루어진다고 보았다. 경험은 단순히 어떤 활동에 참여하는 일이 아니다. 문제를 발견하고 실패와 성찰을 거듭하는 사이, 우리가 지녔던 과거의 경험들은 새로운 상황과 맞물려 끊임없이 재구성되며 자신만의 고유한 의미로 확장된다. 인간은 그 과정 속에서 자신과 세상을 이해하고 변화시킨다.

하지만 학교에서의 경험은 한없이 빈약해서 종종 문자 속 지식의 형태로 축소된다. 학생들은 텍스트를 통해 개념을 배우고 설명을 듣는다. 그리고 그것을 안다고 생각한다. 그러나 안다는 느낌만으로는 진짜 앎에 도달할 수 없다.

색채 수업을 마친 학생들은 색상과 명도, 채도라는 색의 3요소를 부분적으로 설명할 수 있다. 하지만 실제 작품 속 색의 관계를 읽어 내고, 자신의 감정을 표현하기 위해 색을 선택하고 조절하는 일은 전혀 다른 차원의 경험이다. 설명을 기억해 내는 것과 감각과 경험으로 이해하는 것 사이에는 큰 간극이 존재한다. 지식은 말과 글자로 전달할 수 있다. 하지만 그 지식을 만든 경험은 전달할 수 없다. 불이 뜨겁다는 사실은 가르칠 수 있지만, 뜨거움을 아는 손을 대신 만들어 줄 수는 없다.

AI 시대에도 마찬가지다. 학생은 AI가 만들어 낸 결과물을 손쉽게 얻을 수 있다. 문제는 그 결과에 이르기까지 필요한 고민과 선택, 시행착오와 수정의 과정을 경험할 수 없다는 것이다. 그래서 나는 AI 시대일수록 미술 교육이 더욱 중요해진다고 생각한다. 미술은 다른 교과보다 더 직접적인 경험을 통해 세상을 이해하는 교과이기 때문이다.

학생들은 손으로 그리고, 만들고, 지우고, 다시 그리면서 생각한다. 머릿속에만 존재하던 막연한 생각은 재료를 만나는 순간 시각적 형태로 구체화된다. 예상과 다른 결과는 애초의 계획에 맞게 수정되거나 새로운 방향으로 발전된다. 종이의 저항, 색의 번짐, 재료의 한계, 손의 미숙함은 모두 학생의 사고를 흔든다. 그리고 바로 그 흔들림 속에서 학생은 단순히 작품을 만드는 것이 아니라 자신과 대상, 그리고 세상에 관한 생각을 만들어 간다.

AI가 발전할수록 미술은 더욱 인간을 향하는 교과가 되어야 한다. 결과보다 과정이 중요하고, 정답보다 탐색이 중요하며, 효율보다 경험이 중요한 교과. 나는 그것이 AI 시대 미술 교육의 가장 중요한 역할이라고 생각한다.

‘보이지 않는 과녁’을 만드는 힘

“재능은 남들이 맞히지 못하는 과녁을 맞히고, 천재는 남들이 보지 못하는 과녁을 맞힌다.”

나는 쇼펜하우어의 이 문장을 읽을 때마다 학교를 떠올린다. 학교는 대체로 이미 존재하는 과녁을 향해 움직인다. 동일한 기준으로 문제를 해결하고 고정된 정답을 찾는다. 학생들에게 평가 기준에 맞게 수행하는 능력을 요구한다. 물론 그것도 필요하다. 그렇지만 창의성은 과녁을 정확히 맞히는 능력에서 시작되는 것이 아니라, 아직 존재하지 않는 과녁을 발견하는 능력에서 시작된다. 나는 그것을 ‘보이지 않는 과녁’이라고 부른다.

학생들은 처음부터 자신이 무엇을 표현하고 싶은지 알기 어렵다. 어떤 학생은 주제를 받아도 아무 생각이 나지 않는다고 말한다. 또 어떤 학생은 머릿속에 뒤엉켜 있는 생각들을 어디서부터 풀어 가야 할지 몰라 한다. 이때 교사가 해야 할 일은 답을 알려 주는 것이 아니라, 학생이 스스로 질문을 발견하도록 돕는 것이다.

<디지털 포토몽타주> 수업에서 한 학생은 전쟁과 평화를 주제로 한 작품에 자유의 여신상을 활용하고 싶어 했다. 하지만 그 이미지를 자신의 메시지와 어떻게 연결해야 할지 어려워했다. 그때 내가 던진 질문은 단순했다.

“자유의 여신상이 횃불 대신 다른 것을 들고 있다면 무엇을 들고 있어야 할까?”

“그 여신상이 바다가 아니라 다른 장소에 서 있다면 어디에 있어야 할까?”

질문을 받은 학생은 무언가를 깨우친 듯 이미지가 가진 상징을 다시 조정하기 시작했다. 그리고 그 순간 자유의 여신상은 더 이상 익숙한 조형물이 아니라, 자신이 전하고 싶은 메시지를 담아내는 상징으로 새롭게 의미를 갖게 되었다.

좋은 질문은 정답을 주지 않는다. 대신 보이지 않던 과녁을 보게 만든다. AI 시대에 학생들에게 필요한 것은 더 빠른 답이 아니라 더 깊은 질문이다.

창안은 결과가 아니라 과정이다

<21세기 미술관> 프로젝트에서 학생들은 ‘공존’이라는 주제를 마주했다. 나는 학생들이 곧바로 작품 제작에 들어가도록 하지 않았다. 먼저 ‘공존’이라는 단어가 자신에게 어떤 의미인지 생각하고 이야기하게 했다. 자신의 시각에서 사회와 학교, 가정에서 발견한 공존과 갈등의 사례를 나누게 했고, 자료를 조사하며 자신이 중요하게 생각하는 문제를 찾아보게 했다. AI의 도움을 얻어 구체적인 정보를 엮어 낸 후 핵심 키워드를 정리하고 마인드맵을 만들며 서로 연결되지 않던 생각들을 은유적으로 이어 가게 했다. 여러 차례 스케치를 수정하는 과정도 거쳤다.

이 과정은 결코 빠르게 진행되지 않았다. 어떤 학생은 처음 떠올린 아이디어를 포기하고 처음부터 다시 시작했고, 어떤 학생은 자신의 생각을 설명하는 과정에서 새로운 주제를 발견하기도 했다. 언뜻 보면 이런 내적 갈등의 시간은 비효율적으로 느껴질 수도 있다. 하지만 바로 그 시간 속에서 진짜 배움이 일어난다. 학생들은 새로운 연결을 시도하며, 자신만의 의미를 만들어 간다. 창안은 그렇게 헤매는 과정 속에서 탄생한다. 

이런 갈등과 고뇌의 시간을 쉽게 포기하게 해서는 안 된다. 아이들이 어려워한다고 AI에게서 손쉽게 아이디어를 얻게 하지도 말아야 한다.

바람직한 어려움(Desirable Difficulties)

학생들은 종종 “선생님, 정답이 뭐예요?”라고 묻는다. AI는 이런 질문에 놀라울 만큼 빠르게 답을 준다. 하지만 쉽게 얻은 답은 쉽게 사라진다. 그래서 더욱 조심해야 한다.

인지심리학자 로버트 비요크(Robert Allen Bjork)는 학습의 속도를 늦추고 더 많은 인지적 노력을 요구하는 과정이 오히려 더 깊고 오래가는 배움을 만든다고 보았다. 그는 이를 ‘바람직한 어려움(Desirable Difficulties)’이라고 불렀다.

미술 수업에서 학생들은 끊임없이 선택하고 판단한다. 무엇을 표현할 것인지, 왜 이 장면을 선택해야 하는지, 이것이 정말 자신이 말하고 싶은 것인지 스스로에게 묻는다. 학생들은 이 과정에서 서로 다른 생각들을 수없이 연결하고, 새로운 가능성을 예측하고 상상한다. 결코 쉽지 않은 과정이지만 바로 그 어려움 속에서 배움이 일어난다.

내가 AI를 우려하는 이유도 여기에 있다. AI가 위험한 것은 결과물이 뛰어나서가 아니다. 학생이 반드시 통과해야 할 배움의 과정을 건너뛰게 만들 수 있기 때문이다. 생각과 질문을 만드는 어려움, 더 나은 것을 예상하는 어려움, 판단하고 수정하는 어려움. 나는 학생들이 이 어려움을 경험하기를 바란다. 창안의 힘은 바로 그 지점에서 자라기 때문이다.

그럼에도 AI는 가치 있다

그렇다고 AI를 거부해야 한다는 뜻은 아니다. 오히려 AI는 학생의 상상을 현실에 가깝게 구현해 줄 수 있는 훌륭한 도구다.

중요한 것은 ‘사용 여부’가 아니라 ‘사용 시점’이다. 나는 대체로 AI를 수업의 출발점이 아니라 학생들이 충분한 창안의 과정을 마치고 난 후에 활용하기를 권한다.

<신발 디자인> 프로젝트에서 학생들은 먼저 어떤 사람을 위한 신발인지, 어떤 기능을 담고 싶은지, 어떤 디자인이 자신의 생각을 가장 잘 드러낼 수 있을지를 고민했다. 그리고 여러 차례 수정과 보완을 거쳐 자신만의 디자인을 그림으로 완성한 뒤에야 AI를 활용해 광고 이미지를 제작했다. 학생들은 자신이 디자인한 신발이 불완전한 이미지로 끝나지 않고 실제 상품처럼 구현되는 실재성의 경험에서 강한 동기를 얻게 된다.

〈신발 디자인〉 프로젝트에서 학생이 만든 신발 디자인(위)과 AI를 활용해 만든 신발 광고 이미지(아래)

<21세기 미술관> 프로젝트에서도 마찬가지였다. 학생들은 자료를 조사하고 토론하고 마인드맵을 만들고 스케치를 반복하며 자신의 생각을 충분히 시각화했다. 그리고 이 모든 과정을 거친 후에 AI를 활용했다.

만약 처음부터 AI에게 화면의 구성을 비롯해 많은 것을 맡겼다면 어땠을까. 아마 훨씬 빠르고 나은 결과물을 얻었을 것이다. 또한 더 화려하고 완성도 높은 이미지를 만들 수도 있었을 것이다. 하지만 표현의 목적을 고민할 필요도, 자신의 의도를 정리할 필요도, 스스로 질문을 만들어 볼 필요도 없었을 것이다. 결과는 남겠지만 배움은 남지 않았을 것이다.

흥미로운 것은 학생들의 반응이었다. 학생들은 AI가 만든 결과물이 더 화려하고 완성도가 높다는 사실을 인정했다. 하지만 자신에게 더 의미 있었던 것은 결과물이 아니라 그에 이르기까지의 과정이라고 이야기했다. 쉽고 빠르게 얻은 결과보다 어렵고 느리게 통과한 사고의 과정이 자신에게 더 오래 남는다는 것을 학생들 역시 깨닫고 있었던 것이다.

〈21세기 미술관〉 프로젝트에서 학생이 직접 한 아이디어 스케치(위)와 AI를 활용해 이미지를 생성한 모습(아래)

그래서 나는 미술 수업에서 AI를 마지막 단계에 두는 것을 선호한다. AI의 도움을 얻기 전에 학생 스스로 충분히 생각하고 충분히 질문하고 충분히 창안해야 한다. AI는 학생의 ‘사고를 대신하는 도구’가 아니라 ‘이미 구체화된 사고를 더 확장하고 시각화하는 도구’여야 한다.

수업에서 AI를 사용할 때 다음을 우선적으로 생각해 보자.

AI가 학생의 성취 기준 달성을 방해하지 않는가?

AI가 수업과 수행의 핵심 사고 과정을 대신하지는 않는가?

AI 시대, 교사는 무엇을 해야 하는가

AI가 발전할수록 교사의 역할은 사라지는 것이 아니라 오히려 더 선명해질지도 모른다. 정보를 전달하는 일은 이미 AI가 더 빠르고 효율적으로 수행한다. 하지만 지금 학생이 무엇을 생각하고 어떻게 창안해야 하는지 결정하는 일은 여전히 인간의 몫이어야 한다. 교육의 핵심은 답을 알려 주는 데 있는 것이 아니라, 답을 스스로 발견하고 해결하도록 돕는 데 있기 때문이다. AI는 답을 향하지만 교사의 시선은 학생의 성장을 향하기 때문이다.

좋은 미술 수업 역시 지식과 정답을 전달하는 수업이 아니다. 학생이 스스로 생각하고 질문을 만들게 하는 수업이다. 왜 그렇게 생각했는가? 무엇을 말하고 싶은가? 이것이 의도를 나타내는 최선의 선택인가? 이 질문들은 학생을 단순한 제작자가 아니라 스스로 생각하고 탐구하는 사람으로 이끈다.

학생은 질문에 답하는 과정에서 자신이 중요하게 생각하는 것을 발견한다. 처음에는 막연했던 생각이 점차 자신의 관점으로 구체화되고 표현의 이유도 분명해진다. 그리고 바로 그 순간부터 작품은 과제가 아니라 자신의 경험과 가치관이 담긴 이야기가 된다. 그래서 나는 AI 시대의 미술 교사가 답을 알려 주는 사람이 아니라, 학생이 스스로 질문을 만들고 자신의 생각을 키워 갈 수 있도록 돕는 사람이어야 한다고 믿는다.

사고하는 힘은 위임해서 기를 수 없다

AI는 앞으로 더욱 발전할 것이다. 지금보다 훨씬 뛰어난 이미지나 영상, 아이디어를 만들어 낼 것이고, 학생들은 더 자연스럽게 AI를 사용하게 될 것이다. 그러나 교육이 해야 할 일은 기술의 속도를 따라가는 것이 아니다. 학생들이 기술을 활용하더라도 스스로 가치 있는 결과를 판단할 수 있는 사람으로 성장하도록 도와야 한다. 나는 학생들이 AI를 능숙하게 사용하는 사람이기에 앞서, 스스로 질문하고 사고하는 사람이 되기를 바란다. AI 시대의 미술 교육이 지켜야 할 것은 결국 하나다. 결과물이 아니라 사고의 과정, 정답이 아니라 질문 그리고 누구도 대신해 줄 수 없는 삶의 경험이다.

다시 처음의 질문으로 돌아가 보자.

“AI를 잘 사용하는 사람을 만들기 위해 지금 무엇을 가르쳐야 하는가.”

무엇을 어떻게 가르쳐야 학생들이 AI를 잘 사용하는 사람이 될까? 그리고 AI를 잘 사용하는 능력은 어떤 사람으로 성장하기 위해 필요한 것일까?

수영할 줄 모르는 아이가 있다고 가정해 보자.

그 아이는 수영장에서 AI의 도움을 받아

최적의 수영 훈련 계획을 세우고,

완벽한 수영 영상을 만들어 내며,

수영 로봇까지 개발하는 데 성공한다.

하지만 가장 중요한 질문이 남는다.

정작 그 아이는 수영을 할 수 있는가?